La museología contemporánea está experimentando una transformación radical en la manera en que los museos utilizan y conciben el espacio. Esta evolución no solo abarca la dimensión arquitectónica, sino también las funciones y roles que los museos desempeñan en la sociedad. En las últimas dos décadas, hemos visto emerger nuevos tipos de museos, una gran diversificación en las colecciones y cambios significativos a la hora de producir las exposiciones permanentes y temporales, tanto dentro como fuera de las estructuras tradicionales del museo.
Una de las transformaciones más notables es la incorporación de la danza, la performance y la tecnología digital en los museos. Estas formas de arte, sumadas a la tecnología, han hibridado el espacio del museo, volviéndolo más diversificado y vivo. Este cambio no solo ha afectado las prácticas museológicas tradicionales, sino que también ha introducido nuevas estrategias para documentar y preservar obras performativas y digitales. Estas estrategias se centran menos en mantener una versión «original» de una obra y más en gestionar cómo una obra puede cambiar con el tiempo.
Históricamente, la performance y la danza entraron en el museo a principios del siglo XX y resurgieron en las décadas de 1940 y 1960, principalmente a través de documentación fotográfica o en película. Sin embargo, en años recientes, los museos han comenzado a adquirir los derechos para presentar performances y danzas, lo que ha cambiado drásticamente la forma en que documentan y presentan estas formas de arte. Esto ha llevado a una mayor participación de formas de arte participativas, buscando involucrar a diversos tipos de visitantes y comunidades más amplias. Estas prácticas han promovido la diversidad y la inclusión social, permitiendo que individuos y grupos previamente marginados encuentren su lugar en el espacio del museo.
En el corazón de estas prácticas se encuentra la noción de intercambio de conocimientos y la comprensión de que los museos deben operar como agentes activos en la sociedad. Ejemplos de esto incluyen programas como Tate Exchange, que exploran el arte como un proceso y no solo como un producto, trabajando directamente con el público. Esta tendencia ha llevado a la creación de nuevos espacios dentro de los museos específicamente dedicados a formas de arte híbridas y complejas, afectando su misión y convirtiéndolos en agentes de cambio estético y social.
Ha habido movimientos de activismo que han obligado a los museos a reevaluar y recontextualizar sus colecciones, promoviendo la descolonización de sus prácticas. Esto ha llevado a cambios significativos, incluyendo la reubicación de obras y artefactos y la adopción de un rol de cuidadores en lugar de propietarios de objetos creados por comunidades indígenas. Estas transformaciones están teniendo un impacto significativo en el mercado del arte, considerando la danza y la performance como formas de mercancías afectivas y cognitivas.
La introducción de la danza y la performance en el museo también ha tenido efectos profundos en las experiencias de los visitantes, transformando sus encuentros físicos, emocionales, espaciales y temporales con los espacios del museo. La performance y la danza, en particular, han entrado en los museos como formas de resistencia, enmarcando la movilización sociopolítica como una articulación estética que permite a los museos impulsar el cambio de manera más amplia. Esto ha llevado a que los museos se conviertan en laboratorios de experiencias permanentes con un renovado sentido de responsabilidad social y ética.
Las prácticas colaborativas y participativas dentro de los museos están desafiando la estructura jerárquica tradicional de la danza y sus procesos creativos, sugiriendo una distribución de roles más fluida entre intérpretes y coreógrafos. Esto ha planteado desafíos al aparato museológico, cuestionando el papel de curadores, conservadores e incluso intérpretes. Estas prácticas también están experimentando con formas alternativas de agregación y exploración de diferentes modelos sociológicos, políticos y económicos.
La creación de nuevos departamentos y posiciones curatoriales para acoger artes en vivo ha llevado a una experimentación con espacios existentes y nuevos. Museos como MoMA, Tate, el San Francisco Museum of Modern Art, el Centre Pompidou y el Guggenheim, Museo Reina Sofía y Museo del Prado están integrando programas de artes en vivo que han cambiado radicalmente la programación y el espacio de estos museos, así como su imagen y misión más amplia. Algunos museos, como el Louvre, han comenzado a ofrecer programas de residencia para bailarines y coreógrafos, mientras que otros, como el Museum Boijmans van Beuningen en Rotterdam, han integrado bailarines y performers en su personal.
El museo contemporáneo no solo está interesado en albergar arte digital y nuevos medios, sino también en permitir que los visitantes encuentren sus colecciones a través de plataformas digitales. Esto ha llevado a la creación de espacios digitales personalizados, como el Artport del Whitney, que exhiben ArtNet y nuevos medios. Estos espacios se pueden acceder cada vez más a través de realidad virtual y mixta, superponiendo arte y patrimonio en el mundo del espectador.
La introducción de la danza y la performance en el museo ha transformado cómo estas instituciones exhiben y preservan, cuestionando narrativas hasta ahora incuestionadas y dando voz a una gama más amplia de interesados. Los museos están mostrando no solo objetos sino también prácticas creativas, curatoriales e incluso de conservación, integrando componentes intangibles del patrimonio tangible en las exposiciones. La relación renovada entre estrategias archivísticas, obras del pasado y artistas contemporáneos ha estimulado una obsesión creciente con la recreación de exposiciones pasadas, obras de danza y performances, entendidas como enfoques no narrativos y anti-positivistas de la historia del arte visual y performativo.
En resumen, los museos están reescribiendo su historia, espacio y misión en la sociedad, desafiando las formas establecidas de percepción, compromiso e incluso de «ser» en el museo. Este proceso de democratización de la cultura está llevando a los museos a convertirse en actores estratégicos que nos ayudan no solo a entender la complejidad del mundo en que vivimos, sino también a ver cómo podríamos cambiarlo, mejorarlo y hacerlo más democrático.
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