Lo Moderno del Arte Moderno

Intenso, crítico, expresivo, innovador… Estas son algunas de las palabras que empleamos para describir el arte. “Moderno” es una designación cronológica y estilística que generalmente se refiere al arte realizado desde principios del siglo XX hasta después de la Segunda Guerra Mundial, aunque algunos eruditos lo fechan desde finales del siglo XIX hasta los años 1960, o más allá. Tradicionalmente, la historia del Arte Moderno se enmarca alrededor de una serie de corrientes intelectuales, filosóficas y estéticas que impregnaron las obras de arte creadas en ese momento. Los historiadores contemporáneos, sin embargo, se centran más en las conexiones entre estilos artísticos que en el factor cronológico.


Tanya Shatseva

Durante el siglo XX, el mundo se transformó dramáticamente, como nunca antes había ocurrido en la historia de la Humanidad, sobre todo respecto a las estructuras sociales y políticas, y a los enormes avances en la tecnología y la industria. El Modernismo evolucionaba a medida que los artistas buscaban nuevas formas de asimilar y representar ese mundo cambiante. Los creadores plásticos comenzaron a examinar críticamente y a explorar las premisas del arte y los diferentes medios artísticos. El término “modernismo” se refiere a la ruptura autoconsciente de los artistas con el pasado y la búsqueda de nuevas formas de expresión. Las obras modernistas revelan preocupaciones sobre el arte y la estética, independientemente de si el artista representa temas tradicionales o escenas de la vida contemporánea. Al cuestionar las técnicas artísticas convencionales y los métodos de representación, los artistas modernos consiguieron romper los límites establecidos por las academias de arte para iniciar y proponer nuevos enfoques artísticos.

Inspiration Now

Los sucesivos desafíos a las tradiciones de la creación artística en el siglo XIX dieron lugar al término Avant-garde. Procedente del “avant” de “vanguardia” (cuerpo principal de un ejército), comenzó a utilizarse con relación al arte en la década de 1880. Con el término Avant-garde se denominaba fundamentalmente a aquellos artistas que se consideraban adelantados a su tiempo y que desafiaban las tradiciones establecidas académicamente en el campo de la creación. Personajes como Vincent van Gogh, Paul Gauguin y Paul Cézanne fueron de los primeros en ser llamados vanguardistas, debido a sus enfoques únicos para representar el mundo. Algunos de estos artistas criticaban las ideologías políticas y sociales con su trabajo; otros siguieron un camino más introspectivo, examinando y reflexionando sobre principios y elementos artísticos. El término avant-garde se asocia, a veces, al Modernismo y a muchos artistas modernos.


Who killed Bamby?

Los historiadores y críticos de arte han clasificado los desarrollos estilísticos del arte moderno en base a una cronología concreta de movimientos e ideas, cada una de los cuales desafía las convenciones artísticas con mayor intensidad que la anterior. A continuación haremos una breve descripción de algunas de las escuelas y movimientos que caracterizan el arte moderno y que lo organizan en una progresión lineal de estilos, ideologías y enfoques artísticos. Creemos que es importante reconocer, sin embargo, que algunas de estas ideas y movimientos se desarrollaron simultáneamente, surgiendo artistas que trataron de evitar ser asociados con una única escuela de pensamiento artístico.

 EVE Museos e Innovación

Impresionismo: movimiento artístico de finales del siglo XIX, que buscaba capturar impresiones de momentos fugaces de la vida, destacando los efectos de la luz, el color de la naturaleza y las diferentes condiciones meteorológicas en paisajes naturales, panoramas urbanos y escenas de la vida cotidiana. Algunos de los artistas impresionistas fueron Claude Monet, Edgar Degas y Gustave Caillebotte.

Post-impresionismo: movimiento que se desarrolló como reacción al impresionismo. Los artistas post-impresionistas tenían como objetivo representar la vida moderna revelando sus aspectos más emocionales y psicológicos. Dos artistas emblemáticos de este movimiento son Paul Gauguin y Vincent van Gogh.

Fauvismo: de la palabra francesa “fauve”, que significa “bestia salvaje”, el fauvismo fue un movimiento de principios del siglo XX que exploró el uso del color vibrante y audaz como principal elemento formal en la composición artística. Raoul Dufy, Henri Matisse y Maurice de Vlaminck formaron parte del grupo de los “fauves”.

Expresionismo: movimiento de la creación artística que reflejaba la visión personal única del artista y, a menudo, incorporando o expresando emociones personales. Dos importantes grupos expresionistas alemanes fueron Die Brücke (El Puente) y Der Blaue Reiter (El Jinete Azul). Entre los artistas asociados con el expresionismo se incluye también a Wassily Kandinsky, Ernst Ludwig Kirchner y Oskar Kokoschka.

Cubismo: estilo artístico que abandonó las técnicas tradicionales para crear una ilusión del espacio, trabajando sobre la perspectiva, representando en su lugar formas tridimensionales utilizando figuras geométricas abstractas, que a menudo ofrecen varias vistas simultáneamente. A Pablo Picasso y Georges Braque generalmente se les atribuye el desarrollo del cubismo a comienzos del siglo XX.

Futurismo: movimiento fundado por un grupo de poetas, pintores y escultores italianos que reivindicaban la reforma social y artística. Creadores como Fernand Léger y Umberto Boccioni representaban en sus obras la velocidad y el dinamismo de la máquina en el trabajo.

Arte abstracto: movimiento artístico en el que no se representan temas reconocibles por el público. En cambio, se trabajaba sobre el color, la forma y la línea para transmitir el significado que el artista quería comunicar. Creadores como Wassily Kandinsky, František Kupka y Robert Delaunay estuvieron a la vanguardia del arte abstracto a principios del siglo XX. Desde entonces, cientos de artistas modernos han realizado trabajos abstractos usando una gran variedad enfoques y de estilos.

Dada: corriente artística basada en la irracionalidad deliberada y el rechazo a los valores estéticos tradicionales. Marcel Duchamp y Hannah Höch, entre otros, se asocian a esta corriente, ya que formaban parte de un grupo de artistas lejanamente conectados entre ellos pero unidos por una desilusión colectiva tras la salvaje brutalidad de la Primera Guerra Mundial.

Surrealismo: considerado por algunos estudiosos como el movimiento sucesor del dadaísmo, el surrealismo fue una corriente intelectual, literaria y artística que exploró formas de representar en el arte el mundo de los sueños y el subconsciente. René Magritte, Salvador Dalí y Meret Oppenheim están asociados con este movimiento artístico.

Expresionismo abstracto: es el primer gran movimiento de la vanguardia artística que surgió en los Estados Unidos. El expresionismo abstracto (a veces denominado pintura de acción) echó sus raíces a finales de la década de 1940. Artistas como Clyfford Still, Jackson Pollock, Helen Frankenthaler y Lee Krasner, crearon sus obras utilizando la abstracción para transmitir un fuerte contenido emocional y expresivo.

Minimalismo: movimiento artístico que algunos estudiosos valoran como una respuesta directa al éxito crítico y popular del expresionismo abstracto. Las obras de arte minimalistas se caracterizan por una reducción severa de la forma, otorgándole un mayor énfasis a la relación física del espectador con las obras de arte, como se puede observar en los trabajos escultóricos de Tony Smith y Donald Judd.

The Mag

Todos los artistas mencionados anteriormente representan el espectro de estilos y escuelas de pensamiento artístico del Arte Moderno. “Naturaleza muerta con contraventanas cerradas” de Raoul Dufy (1906), ilustra el uso de las cualidades expresivas del color para representar un tema tradicional, así como su asociación con el fauvismo. La escultura de Brancusi “Pájaron en el espacio” (1927) es un ejemplo de la exploración del artista sobre la abstracción, representando su exploración crítica de los conceptos y los medios escultóricos tradicionales. La fotógrafa Marjorie Content captura su personal visión de la realidad que la rodea en su fotografía “Sin título” (1928). Aunque Content no se consideraba una artista, la fotografía es un ejemplo de cómo los puntos de vista modernistas influyeron en la forma de expresarse de los artistas aficionados y los profesionales, por igual. “Luna del desierto” de Lee Krasner (1955), refleja su interés por una abstracción arraigada en la naturaleza y en el mundo cotidiano.

A la hora de disfrutar de creaciones artísticas de Arte Moderno, podemos plantearnos las siguientes cuestiones:

  • ¿Qué hace que una obra de arte sea moderna?
  • ¿De qué manera rompen los artistas modernos con las tradiciones establecidas de creación artística?
  • ¿Cuáles son los temas y materiales del arte moderno?


Si quieres recibir nuestro newsletter, y/o la bibliografía y recursos asociados al artículo de hoy, rellena y envía el boletín adjunto, por favor. Si quieres recibir los artículos por correo electrónico completa el campo correspondiente en el formulario de inscripción que encontrarás en la cabecera de esta página. Tu dirección de correo electrónico será utilizada exclusivamente para enviarte nuestros newsletters, pudiendo darte de baja en el momento que quieras.

Fotografía principal: Fudge Graphics

Tus comentarios son muy importantes para nosotros

Este sitio usa Akismet para reducir el spam. Aprende cómo se procesan los datos de tus comentarios.