Breve Historia de las Exposiciones Inmersivas

Cuando definimos las exposiciones inmersivas como espacios interiores que buscan transportar a la audiencia desde su entorno físico real y convencional a otros mundos, nos enfrentamos a una larga historia. Su evolución está entrelazada con el desarrollo de la escenografía de teatro / ópera y todo tipo de efectos especiales mecánicos desarrollados a partir del siglo XVII. A finales del XIX, los grandes equipos escenográficos podían crear actuaciones para lograr «transformaciones» espectaculares utilizando complejos controles de cuerda / polea. La introducción de la iluminación eléctrica, en particular el foco con lente (década de 1880 en adelante), añadió efectos sofisticados al gusto del diseñador. Al mismo tiempo, las grandes «Expos(itions)» mundiales, celebradas en muchas ciudades importantes, particularmente en París (1855, 1867, 1878, 1889, 1900), proporcionaban con frecuencia experiencias inmersivas. Una característica frecuente fue la reconstrucción de la aldea «nativa» que alababa la colonización europea. Incluso los grandes almacenes Liberty, en Regent Street, trajeron artesanos indios para trabajar en su «Bazar Oriental». Estas exposiciones físicas fueron paralelas al trabajo de los pintores de finales del siglo XIX, en la creación de reconstrucciones altamente precisas (para la época) de escenas bíblicas, clásicas e históricas de diferente índole, a partir de pinturas y decoraciones de paredes para edificios cívicos.

En 1897, el Kaiser Wilhelm II ordenó la reconstrucción del fuerte romano de Saalburg, en Alemania. La obra se hizo tan popular que la compañía de tranvías en el cercano balneario de Bad Homburg construyó un enlace ferroviario, el Saalburgbahn, para transportar a los visitantes hasta allí. La terminal fue diseñada al estilo «romano provinciano». Al mismo tiempo, el arqueólogo francés Theodore Reinach edificó la Villa Kerylos (1902-08), en la Riviera en Beaulieu-sur-Mer, a modo de reconstrucción de una casa griega clásica. En paralelo, los museos escandinavos – entre ellos el más famoso Museo Skansen en Estocolmo (1891) – se convirtieron en pioneros en la creación de museos al aire libre: edificios históricos vernáculos retirados de sus ubicaciones originales y re-erigidos junto a un entorno de zonas verdes.

El mundo posterior a la Primera Guerra Mundial y la dislocación económica / política que siguió vislumbraron el cambio hacia el Modernismo. Sin embargo, en Ypres (Bélgica), ciudad que había sido arrasada por la artillería enemiga, la Lonja de los Paños y el Ayuntamiento se reconstruyeron lo más fielmente posible a los originales, utilizando dinero de las reparaciones de guerra alemanas como una clara declaración política. Curiosamente, los franceses propusieron mantener la catedral de Reims, muy dañada, como monumento a los caídos, aunque al final esta también fue restaurada con el mayor apoyo de la Fundación Rockefeller.

Durante el período de entreguerras muchos museos expusieron reconstrucciones de salas históricas o estructuras enteras traídas de otros lugares, pero dichas exhibiciones, aunque inmersivas, eran esencialmente estáticas. The Cloisters, en el Museo de Nueva York, con sus grandes secciones de edificios monásticos medievales, se desarrolló en el 1920/30 y su inauguración tuvo lugar en 1938. A finales de la década de 1920, también comenzó la «reconstrucción» del Colonial Willamsburg, en Virginia. Ambos proyectos fueron financiados por la familia Rockefeller. Este último es conocido como el «museo de historia viva más grande del mundo», y su característica de intérpretes disfrazados actualmente ha sido adoptada por museos de todo el mundo. Si bien la década de 1930 vio el rápido desarrollo de los «talkies» en los cines y la introducción de los sistemas de altavoces eléctricos, este tipo de tecnología solía quedarse fuera del interés de los museos.

Después de la Segunda Guerra Mundial, áreas históricas enteras de ciudades devastadas, como Varsovia, se vieron «reconstruidas», particularmente en Europa del Este. Sin embargo, fue el desarrollo de la tecnología de las películas / proyecciones lo que marcó el comienzo de una nueva era en la realización de exposiciones. En términos generales, antes de la introducción del video a mediados de la década de 1970, no era viable – desde el punto de vista financiero o técnico – que los museos incorporaran la proyección de películas en las exposiciones, a menos que se tratara de eventos especiales. Una innovación clave fue la introducción de el proyector de carrusel de Kodak a principios de la década de 1960, que utilizaba una unidad de deslizamiento giratorio continuo de 80/140, lo que permitía una proyección de un álbum de fotos estático. De esta forma, se ofrecía un nuevo enfoque de comunicación visual de movimiento inmóvil con imágenes que creaban historias. Como explica Don Draper en el relato ficticio del desarrollo del carrusel en Mad Men (Temporada 1, Episodio 131 – vale la pena verlo en YouTube), «es una punzada en tu corazón mucho más poderoso que solo la memoria… este dispositivo no es una nave espacial, es una máquina del tiempo, que nos permite dar vueltas y vueltas y volver a casa de nuevo a un lugar donde sabemos que somos amados». Para las exposiciones, este sistema ofrecía una tecnología accesible y barata que la mayoría de los museos podían utilizar si así lo deseaban. Más tarde vendría el Cinerama.

La llegada del carrusel coincidió con la futurista Expo’67 en Montreal, considerada la más exitosa de las exposiciones del siglo XX, con 55 millones de visitantes. Fue la tercera Expo posterior a 1945, después de la de Bruselas en 1958 y la Exposición Universal de Nueva York en 1964. Como en todas las exposiciones modernas, se proyectaron muchas películas en las Expos, pero fueron los espectáculos multipantalla y el humilde proyector de carrusel los que cosecharon más éxito en términos de participación del público. Los checos también fueron pioneros en algunas áreas. Con Joseph Svoboda y Milos se forma el Teatro Nacional mostrando su sistema «Lanterna Magika» en Bruselas (todavía puede visitar el equivalente moderno en Praga). Tal innovación creativa continuó en Montreal, donde el «Kinoautomat», en el Pabellón de Checoslovaquia, permitía al público tomar decisiones sobre la evolución argumental de una película. Fue descrito como el «éxito garantizado del mundo en la Exposición». En opinión de muchos, los checos deberían construir un monumento al hombre que concibió la idea, Radúz Činčera. «Es un punto discutible si la fascinación contemporánea por la meditación trascendental, el «espacio interior» y la contracultura, que surgen de la cultura hippie de las drogas, contribuyeron a atraer audiencias a estas ‘experiencias'».

Como recuerda Jeffery Stanton, un niño en 1967:

Diopolyecran fue una de las experiencias audiovisuales más fascinantes que he visto. Entré en una habitación grande y me senté en el piso alfombrado donde mirabas una pared con 112 cubos, cuyas imágenes siempre cambiantes y cambiantes se movían hacia adelante y hacia atrás. Dentro de cada cubo había dos proyectores de diapositivas Kodak Carousel que proyectaban fotografías en la parte frontal de los cubos. En el anexo hubo 15.000 diapositivas en el espectáculo de 11 minutos. Dado que cada cubo puede deslizarse en tres posiciones dentro de un rango de dos pies, daban el efecto de una superficie plana convirtiéndose en una superficie dimensional y viceversa. – Jeffery Stanton, Diopolycran – Czechoslovakia Pavilion, Expo’67, Montreal.

El programa trataba sobre «La creación del mundo del hombre». En una pantalla de 112 partes: la Tierra despertó, las flores florecieron, los tigres aparecieron de repente, los primeros hombres caminaron por la tierra y luego…fue inventada la maquinaria. A veces, las secuencias de imágenes aparecían completas en un primer momento y luego se dividían abstractamente en una composición de arte moderno. Era pura técnica multi-visual lo que encantaba al espectador.

Vale la pena señalar que el sistema de películas IMAX, aunque es parte de la evolución del cine más que de la exhibición, fue desarrollado en Canadá en 1967 por cineastas experimentales involucrados en la Expo’67, con la primera película proyectada en la Expo’70, Osaka, Japón. En Europa, Albert Plécy (1914-1977), el periodista y teórico de la imagen francés, vio el potencial del proyector de diapositivas de carrusel, y, después de varios experimentos, incluido el notable Bestiaire 2000 en el parque safari Thoiry y la Férrie des Tuileries en París (ambos en 1970), mostró la «Catedral de las Imágenes» (Cathédrale d’images):

La «Catedral de las Imágenes» en las canteras de piedra caliza blanca de Les Baux-de-Provence, en 1977; eso era una producción novedosa y, por el momento, avanzada de frescos luminosos de automáticamente imágenes cambiantes en las paredes de piedra blanca de docenas de proyectores de carrusel, con banda sonora de acompañamiento, que envolvía los contornos de las paredes y el techo de la cantera, produciendo una visión tridimensional, y los propios espectadores, iluminados e integrados en las imágenes de colores vivos. Atrajo a visitantes internacionales». – Uno de los promotores.

El desarrollo posterior a la Segunda Guerra Mundial de los espectáculos nocturnos al aire libre de Son et Lumière en Francia – el primero en el castillo de Chambord en 1952 -, probablemente hizo que el trabajo de Plécy pareciera menos novedoso en Francia de lo que había sido en otros países. Durante la década siguiente, muchos diseñadores de exposiciones de museos visitaron la «Catedral de las Imágenes» y quedaron impresionados por su potencial para combinar el carrusel barato de la tecnología de diapositivas con música complementaria, creando un nuevo y convincente espectáculo de treinta minutos. Si bien la reacción de la audiencia fue muy positiva (consulta la sección actual de Trip Advisor de la «Catedral de las imágenes»  y comentarios, calificación 4.5. Ten en cuenta que el sitio ahora se llama Carrières de Lumières), el mundo de los museos, en general, se mostraba despectivo ante una «experiencia» que no mostraba objeto alguno. Uno de los autores tomó prestado este enfoque para el diseño del nuevo Imperial War Museum-North, en Trafford, en la década de 1990, en un trabajo conjunto con el arquitecto Daniel Libeskind y el difunto Steve Simons de Event Communications como diseñador de exposiciones. Este enfoque resultaba apropiado para las grandes colecciones de películas / imágenes del IWM y parecía particularmente complementario a la arquitectura deconstruida de Libeskind – por no mencionar un presupuesto muy ajustado -. «The Big Picture Show» sigue siendo una parte clave de las ofertas de IWM-North desde que abrió en 2002. Es importante destacar que las pantallas interiores demostraron que era perfectamente posible integrar exposiciones de objetos apoyadas con proyección de pantalla grande.

Quizás resultara irónico que la organización de patrimonio comercial francés, «Culturespaces», se hiciera cargo de la gestión de la «Cathédrale d’images» en Les Baux en 2012, y reconociera la enorme audiencia y potencial comercial de una ‘imagen total’ inmersiva, proyectada en enormes espacios y sobre numerosas superficies. Tras convertir el sistema de carrusel de diapositivas original en Les Baux en proyectores digitales, Culturespaces abrió el Atelier de Lumières en París en una antigua fábrica en 2018, donde se registró hasta una asistencia anual de más de 1.000.000 de visitantes de pago. Las mismas presentaciones pueden ser adaptadas para exhibirse en ambos lugares, reduciendo sustancialmente los costos creativos. Este comercial éxito creativo, centrado en gran medida en el trabajo de artistas de renombre de alto perfil (Klimt, Breughel, Dali, Chagall, Cezanne (2021), etc.), ha llevado a proyectos similares en Burdeos (el mayor «Les Bassins de Lumières» en los antiguos corrales de submarinos) y Jeju, Corea del Sur, y actualmente se están planificando otros para Dubai y Seúl (2021) y Nueva York y Amsterdam (2022). Los mismos programas ‘inmersivos’ pueden, por tanto, ser llevados a una audiencia cada vez más global. Culturespaces todavía utiliza el equipo creativo del Venetian Gianfranco Iannuzzi y Renato Gatto, quienes comenzaron en la operación original de «Cathédral d’Images» en la década de 1990. Si bien nuestras presentaciones favoritas siguen siendo Magie du Vitrail (1991) y Michel-Ange à la Sixtine (1996), su capacidad para reelaborar el espacio cada año es impresionante. Curiosamente, Culturespaces también opera la Villa Kerylos. A modo de imitación temporal más pequeña, han aparecido presentaciones en otras ciudades con grandes mercados turísticos, como Venecia y Berlín.

Esta aceptación comercial se ha multiplicado en los últimos años, y parece ser que actualmente existen cinco shows de Van Gogh en gira en Estados Unidos. El fenómeno incluso mereció una revisión en The Economist en abril de 2021, que destacaba, además, el creciente número de instalaciones de arte inmersivas contemporáneas. Una clave popular del éxito en este sector fue Rain Room de Random International, instalado en la Barbican Art Gallery de Londres en 2012, que tras una gira mundial se halla ahora   expuesto en un edificio especialmente diseñado en Sharjah (2018). En mayo de 2021 se inauguró Superblue, en Miami, con instalaciones de Es Devlin, James Turrell y SteamLab.

Debemos señalar, no obstante, que estos programas inmersivos no están exentos de problemas. En particular, al igual que las películas IMAX, las presentaciones son más eficaces con sistemas de imágenes «grandes». Resultan mucho menos efectivas al explorar elementos sujetos al tamaño de la figura humana. Mémoire du Cirque (1994) en la «Cathédrale d’image», por ejemplo, del que se esperaba un impacto muy alto, resultó, en realidad, visualmente decepcionante. Estos sistemas de «inmersión» audiovisual acabarán cansando al público muy pronto.

Para nosotros, la verdadera inmersión es otra cosa totalmente diferente.

Consultas: info@evemuseos.com

Recursos: