¿Qué modelos de exposiciones itinerantes serán sostenibles cuando salgamos de la pandemia? Hemos llegado a pensar en la industria de las exposiciones itinerantes como predominantemente orientada a los éxitos de taquilla (blockbusters), preocupados casi exclusivamente por mover la cultura material por todo el mundo para que el público la experimente. El modelo de éxito de taquilla ha sido una fuente sólida de ingresos para los museos del mundo, y constituye la base de toda una industria. Ahora, con la llegada de la pandemia, se trata de esperar y observar lo que está pasando; los museos posponen sus eventos en medio de una lluvia de medidas sobre confinamientos y distanciamiento. Es posible que necesitemos replantear nuestra creatividad para generar nuevos modelos de exposiciones, y que ese sea el camino a seguir para abordar la necesidad que la industria demanda de mucha más elasticidad. La diversificación empresarial es ahora un requisito imprescindible para la supervivencia, pero también hay espacio y potencial para diseñar nuevas experiencias pedagógicas más sostenibles, asequibles, educativas y enriquecedoras. En cualquier caso, el modelo actual de exposiciones en sí mismas sigue siendo objeto de análisis y replanteamiento en los últimos años.
El historiador de arte estadounidense James Beck, allá por 2001, afirmó que el aumento de las experiencias impulsadas por la tecnología haría que el movimiento de las obras de arte fuera relativamente innecesario. Beck también cuestionaba la relevancia pedagógica de la idea de las exposiciones en las que la relevancia está ajustada al académico y no tanto al público en general. El artículo de Beck, publicado en Notes in the History of Art, llevaba por título: ¿El fin de las exposiciones de gran éxito? Sus preocupaciones también fueron compartidas por otros especialistas a lo largo del tiempo. Más recientemente, Colin Tweedy, director ejecutivo de Arts & Business, argumentaba que el modelo blockbuster estaba matando al arte, por cuestiones de esfuerzo financiero y requerimiento de enormes recursos que demandan este tipo de exposiciones. Las preocupaciones de Tweedy, compartidas por muchos otros, surgen de la necesidad de que las exposiciones permitan un mejor acceso, visualización y comprensión temática, sin duda más allá de que tengan un gran éxito para ser rentables. Ese sentimiento de amplia también fuera del mundo del arte.
La pandemia del COVID-19 ha encendido el debate una vez más y las dudas son más numerosas que nunca. Una de las últimas contribuciones sobre el tema, que se publicará en Art Newspaper, cuya autora es la Directora de Exposiciones e Iniciativas Estratégicas del Museo de Brooklyn, Sharon Matt Atkins, defiende un replanteamiento importante sobre la idea del proyecto de exposición itinerante. Ésto, reitera Atkins, es «una oportunidad para reimaginar diferentes modelos de exhibición, sin dejar de proporcionar motivaciones similares que originalmente impulsaron la tendencia del éxito de taquilla». Andrew Dixon va más allá. En su contribución titulada acertadamente «Bye bye, blockbusters», se pregunta: ¿puede el mundo del arte adaptarse al Covid-19? Dixon cita a Frances Morris, directora de la Tate Modern, y su frustración de que las exposiciones blockbusters desvíen de alguna manera a los museos de su misión principal. Morris también admite que las exposiciones de gran éxito de ventas, con préstamos estrella enviados desde todo el mundo, podrían haber llegado a su fin. Kate Brown comparte una opinión similar en su último artículo en Artnet. El título lo dice todo: ¿se acabó la era de las exposiciones de gran éxito? Una tormenta perfecta de impedimentos y desafíos sugiere que ya podría ser cosa del pasado.
Actualmente, dado que la financiación se está convirtiendo rápidamente en un gran obstáculo y la relevancia está mucho más relacionada con abrir nuevos caminos entre lo digital y lo virtual, estamos convencidos de que debe crearse un nuevo modelo de exposición temporal, particularmente para los museos de arte. Las alternativas potenciales en esta industria deberán abordar una diversificación conceptual y comercial más amplia. Hay muchas cosas que la industria puede explorar y de las que beneficiarse al observar de cerca a las aerolíneas de bajo costo, y podrían dar una pista, asimismo, de los nuevos prototipos de exposiciones temporales. Los primeros años de la industria se remontan a la década de 1970 en América del Norte, y se describe mejor como una secuencia de innovaciones. Ciertamente el low-cost ha evolucionado y se ha desarrollado desde entonces. El modelo comercial es, en resumen, una amalgama de precios bajos, rutas de frecuencia punto a punto, sistemas de venta de boletos en línea, utilización racionalizada de modelos de aviones, uso de aeropuertos secundarios y personal altamente productivo. No es el modelo de negocio en su totalidad lo que puede sugerir analogías con los modelos de exposición itinerante de bajo costo, pero los elementos clave tienen potencial para orientarnos sobre un tipo de exposiciones más ágil y relevante.
Si pensamos en los museos de tamaño «mediano a pequeño» (la mayoría) como la nueva base principal de clientes, se pueden eliminar los costos de traslados si se exponen menos objetos – aunque sean de mayor valor o importancia cultural -, lo que puede aumentar la frecuencia y el alcance de estas exposiciones itinerantes que serán ligeras. De esta manera se agiliza y amplía el tiempo de permanencia, aplicando sistemas de venta de entradas en línea. Así, las exposiciones itinerantes de bajo costo puede convertirse en un modelo sostenible. Esta nueva propuesta en el mercado no excluiría proyectos de exposiciones más grandes y complejas, aunque eso sí, quizás se trate de versiones más «adelgazadas» de la exposiciones estándar de gran éxito. De hecho, esta nueva generación de exposiciones de bajo costo tampoco dejaría fuera a los museos internacionales más grandes de su base de clientes potenciales. El nuevo modelo ayudaría a la industria a diversificarse, invertir en agilidad y volverse más relevante.
Hay una ambición primordial que este modelo de exposición itinerante también puede abordar y que sería lento. El concepto fue concebido por primera vez por Project Zero, un centro de investigación y desarrollo en la Harvard Graduate School of Education, fundada por el filósofo Nelson Goodman en 1967 con el propósito de comprender y mejorar el aprendizaje, el pensamiento y la creatividad para individuos, y relacionado con las artes y otras disciplinas. También ha sido experimentado por el museo Tate en Londres – particularmente en lo que respecta al arte – y se convirtió en el tema central de un libro publicado en 2017 escrito por Shari Tishman, investigadora asociada senior en Project Zero. Tishman define la mirada lenta como un modo de aprendizaje, un medio de adquirir conocimiento a través de la observación. El objetivo principal sería ir más allá de la primera impresión para participar en una experiencia más inmersiva que fomente el pensamiento crítico y creativo. Al optar por una selección más pequeña de obras – en parte debido a las circunstancias -, las exposiciones itinerantes pueden aumentar su potencial como vivencias educativas y convertirse en experiencias de alfabetización visual a través del hecho de mirar despacio.
Si hablamos de los valores de la experiencia, cabe decir que el modelo de exposición itinerante «en modo lento» también puede describirse como una variante ligera y de bajo costo del éxito de taquilla. Puede expandirse y contraerse en consecuencia, siempre que los valores fundamentales de la difusión del saber y el conocimiento que dan forma a este nuevo modelo se respeten y mantengan. Se propone hacer un boceto rápido del modelo de exposición, que ciertamente necesita más trabajo y pulido, particularmente si se retoma y se prueba en el túnel de viento apropiado. La estructura del boceto se divide en dos secciones, así se puede valorar en términos generales comportándose como una ecuación tentativa de oferta y demanda. Por un lado, la experiencia es la propuesta que se ofrece. En el otro extremo, la audiencia es la base «consumidora» del conocimiento que accederá a la experiencia. Este último componente combinaría un repertorio más reducido de cultura material que incluiría objetos con interpretación de alto nivel presentados en múltiples plataformas de difusión de contenidos, de las cuales lo físico seguiría siendo la experiencia clave. Menos objetos, más valor cultural. Esta es una combinación crucial a considerar y que puede variar entre un mayor número de objetos con un valor cultural relativamente menor pero con más selección de contenido, relevancia e importancia. En cualquier caso, la selección debe estar considerada para hacer posible una experiencia de aprendizaje lento.
Si pensamos en un alto contenido narrativo para una «exposición ligera», en contraste con la oportunidad única que suele proporcionar la visita a una exposición de gran éxito, los contenidos interpretativos requerirían una narrativa de alta gama que respaldase experiencias de mirada lenta de manera creativa. Esto también provocaría un aumento en el contenido digital, generando una experiencia transmedia. Henry Jenkins define la narración transmedia como un proceso mediante el cual los elementos integrales de una ficción se dispersan sistemáticamente a través de múltiples canales de comunicación, con el fin de crear una experiencia de entretenimiento unificada y coordinada. Idealmente, cada medio hace su propia contribución única al desarrollo de la narrativa. Jenkins presentó sus ideas sobre transmedia en 2003, pero el pensamiento se remonta a Walt Disney y su deseo y ambición por crear un universo narrativo multiplataforma.
La combinación que la narrativa y la experiencia crearían conjuntamente se presentaría en múltiples plataformas accesibles antes y después de la experiencia física directa de visita a la exposición. De esta manera, el concepto de exposición de aspecto lento sería accesible durante un período de tiempo más largo y para nuevas audiencias, que podrían ser principalmente cibernautas pero con el potencial interés de hacer la visita física. La combinación de tiempos de visualización, más allá de la visita presencial, y los sistemas de venta de entradas en línea que cubren el acceso a través del uso de plataformas en línea, ayudaría a trasladar la experiencia y ponerla al alcance de su público potencial. La necesidad de llegar a esas audiencias potenciales a través de una gama más amplia de plataformas también requeriría una estructura variada de tiempo de visualización, incluidos los niveles de acceso para experiencias digitales y virtuales complementarias, aunque independientes.
El uso del pensamiento transmedia llevaría a los usuarios potenciales a acceder a la experiencia a través del tiempo y el espacio físico, con la frecuencia necesaria, también más allá de la visita presencial. Si la experiencia se presenta en diferentes niveles, podría ayudar con la recuperación de la inversión. En todo caso, se trata de ideas boceto, conceptos preliminares que necesitarán ser probados más a fondo. Pero más que la necesidad de reinventarse en respuesta a las terribles circunstancias económicas que está afrontando la industria, este es quizás el momento adecuado para diseñar nuevos modelos, con diferentes significados y con propósitos renovados.
Recurso bibliográfico:
Sandro Debono (2020): Prototyping New Travelling Exhibition Models. The Museum Next – Ideas.
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